Francisco de Zurbarán, peintre espagnol célèbre pour ses sujets religieux, est au cœur d’une rétrospective majeure au Louvre, organisée en partenariat avec la National Gallery de Londres et l’Art Institute de Chicago. L’exposition, ouverte du 7 octobre 2026 au 25 janvier 2027, vise à présenter l’étendue complète de la carrière de Zurbarán et l’évolution de son style artistique. Elle comprend aussi bien des chefs-d’œuvre bien connus que des découvertes récentes, mettant en lumière son talent de coloriste, de peintre de natures mortes et sa place de figure majeure de l’école sévillane, influencée par les traditions artistiques italiennes et flamandes. Zurbarán est né à Fuente de Cantos, un petit village d’Estrémadure situé entre Madrid et Lisbonne. À 16 ans, il quitte son foyer en 1614 pour Séville, où il devient apprenti dans l’atelier d’un peintre peu connu, Pedro Díaz de Villanueva. C’est durant cette période qu’il se lie d’amitié avec Diego Vélasquez, qui deviendra plus tard peintre de cour du roi Philippe IV. Après avoir terminé son apprentissage et obtenu son diplôme de « peintre d’images », Zurbarán s’installe à Llerena, où il épouse Maria Páez Jiménez. Le couple a deux filles et un fils, Juan, qui travaille à ses côtés dans son atelier. Après la mort de Maria, il se remarie en 1625 avec Beatriz de Morales. Les premières œuvres de Zurbarán incluent un retable pour l’autel de la Vierge dans sa ville natale ainsi qu’une sculpture grandeur nature du Christ en croix pour un village voisin. Ces œuvres ont depuis été perdues. Sa carrière prend de l’ampleur lorsqu’il signe, en janvier 1626, un contrat avec le couvent Saint-Paul à Séville pour réaliser 21 peintures représentant la vie de saint Dominique et d’autres pères de l’Église. Ces œuvres révèlent son style signature, marqué par des compositions complexes, un usage dramatique de la lumière, un naturalisme et un rendu détaillé des tissus. Le Christ en croix, peint en 1627, lui vaut une reconnaissance généralisée. Ce tableau est salué pour son inspiration caravagesque et son utilisation du clair-obscur, une technique qui oppose la lumière et l’ombre pour créer de la profondeur et du drame. Zurbarán puise aussi son inspiration dans les gravures allemandes et hollandaises, qu’il intègre à son travail. À mesure que sa renommée grandit, il installe un grand atelier à Séville, produisant des peintures religieuses pour des nobles, des marchands et des ordres religieux. Il s’engage également dans le commerce avec les Amériques par l’intermédiaire de ses beaux-frères, fabriquant des peintures pour le lucratif marché colonial. Ces œuvres, souvent de moindre qualité, sont vendues dans des lieux comme Lima, au Pérou, qui abrite la plus grande collection de ses œuvres. Malgré cette activité commerciale, Zurbarán continue d’innover stylistiquement, utilisant l’illusionnisme pour réinterpréter l’iconographie catholique. Un exemple notable en est Borreguillo, une œuvre autrefois considérée comme un Agneau de Dieu, représentant un agneau attaché sur un parapet devant un fond noir, évoquant les natures mortes de Juan Sánchez Cotán. Son travail sur Le Saint Suaire de la Sainte Face atteint un effet visionnaire, avec l’empreinte du Christ rendue sous la forme d’une forme pâle et presque translucide. Il peint également Saint François d’Assise, un sujet prisé de la Contre-Réforme catholique, dans diverses poses et contextes. En 1634, Zurbarán est invité à la cour du roi Philippe IV par Vélasquez, où il réalise des scènes historiques pour le palais du Buen Retiro à Madrid. Ses œuvres, comme La Défense de Cadix contre les Anglais et Le Marquis de Caldereita commandant une flotte, font partie de la décoration du palais. Après son retour à Séville, Zurbarán continue de produire des œuvres majeures, dont certaines pour la chartreuse de Jerez et le monastère royal de Santa María de Guadalupe. Cependant, l’épidémie de peste bubonique de 1649 frappe durement Séville, entraînant la mort de son fils Juan. Dans les dernières années de sa vie, le style de Zurbarán devient plus délicat et moins contrasté, avec des formats plus petits et des thèmes religieux intimistes. Ses œuvres de cette période, comme L’Immaculée Conception et des scènes de La Fuite en Égypte, reflètent des dialogues avec d’autres artistes comme Murillo et Raphaël. L’une de ses œuvres les plus remarquables, La Crucifixion du Christ avec un peintre, serait un autoportrait. Le tableau représente Zurbarán en contemplation devant le Christ, la composition suggérant une expérience temporelle partagée ou une méditation sur la Crucifixion. Cette œuvre est considérée comme un témoignage de son héritage artistique, qui continue de résonner auprès des spectateurs aujourd’hui.