Du 28 septembre au 6 octobre, la Semaine de la mode Printemps-Été 2027 à Paris a offert une échappée vibrante, mêlant récits cinématographiques, couleurs audacieuses et créations imaginatives. Alors que le monde extérieur faisait face à des défis tels que les tensions politiques et les difficultés économiques, les défilés de mode se sont davantage concentrés sur la fantaisie que sur des commentaires directs sur l’actualité. De nombreuses collections se sont inspirées des décennies passées – comme les années 1930, 1950, 1960 et 1970 – mais plutôt que de recréer ces époques, elles les ont utilisées pour explorer des thèmes comme le glamour, l’intimité et le contraste entre le réel et l’imaginaire. Les deux premiers jours de l’événement ont été menés par deux créateurs belges, Julie Kegels et Marie Adam-Leenaerdt, toutes deux lauréates récentes de prix prestigieux. Julie Kegels, gagnante du Prix LVMH 2026, a imaginé des créations jouant avec l’idée de la gravité, avec des robes semblant défier leur propre structure et des corsets redonnant vie aux robes de bal traditionnelles. Marie Adam-Leenaerdt, récipiendaire du Grand Prix ANDAM, a utilisé des matériaux et des cadres du quotidien – comme ceux que l’on trouve dans un supermarché – pour ramener des éléments de mode familiers dans le domaine de l’ordinaire, en employant des tissus tels que le taffetas, le cuir et le velours. Fidan Novruzova, créatrice d’origine azerbaïdjanaise et moldave basée à Paris, s’est tournée vers les années 1920 et 1980, explorant comment les rôles et les dynamiques de pouvoir des femmes ont évolué à travers les changements vestimentaires. Deux créateurs ont adopté une approche plus directe pour aborder les questions sociales sur le podium. Ellen Hodakova Larsson, lauréate du Prix LVMH en 2024, a utilisé des matériaux comme des filets de pêche et des toiles enduites pour exprimer discrètement des préoccupations environnementales. Matières Fécales, un collectif de designers, a présenté un défilé percutant sur la place de la République, mettant en scène 99 tenues portées par des mannequins aux origines diverses. L’exposition était divisée en trois parties, passant des thèmes de la famille et de l’identité personnelle aux sous-cultures et à la résistance, pour finir sur l’artisanat de la couture. Chez Courrèges, le designer Drew Henry a introduit une nouvelle direction avec des couleurs vives, des formes ludiques et une attention portée à la joie de porter des vêtements. Cela marquait un changement par rapport aux longues créations monochromes de Nicolas Di Felice, le précédent designer. La collection comprenait des robes babydoll pour hommes, des motifs géométriques et des lunettes rétro, soulignant le plaisir de la mode. Glenn Martens, qui dirige la maison Margiela depuis un peu plus d’un an, a intégré des influences des années 1970, comme des imprimés floraux et des robes rigides, tout en les associant à l’esthétique emblématique de la marque. Chez Dries Van Noten, Julian Klausner a créé une collection inspirée par une actrice quittant un plateau de tournage, avec des pièces comme des broches, des gants et des chignons, ainsi que des robes ornées d’affiches de films rétro.